Wednesday, May 15, 2013

El Guernica


Obra: El Guernica
Autor: Pablo Picasso
Estilo: Arte contemporáneo s.XX, Abstracto
Género: Pintura, Óleo sobre lienzo
Cronología: 1937 (España) s.XX
Otras obras: Obras cubistas, Nacimiento de Claude, Paloma.


La temática principal de esta obra es el bombardeo de Guernica, ocurrido el 26 de Abril de 1937 por la aviación alemana, durante la Guerra Civil Española. La razón del ataque no podía ser la existencia de depósitos de armas, ni cuarteles o tropas, ni objetivos estratégicos ni que la villa fuese un nudo de comunicaciones. Guernica carecía de cualquier importancia militar o estratégica. La vergonzosa razón fue probar en fuego real los nuevos aviones y su armamento ante el avecinamiento de la Segunda Guerra Mundial. El horror que causó este episodio fue muy alto en la opinión pública internacional, no sólo por el sacrificio absurdo de inocentes, sino, sobre todo, por ser la primera vez en la historia en que se atacaba desde el aire una ciudad. En poco tiempo, ciudades inglesas, alemanas y japonesas serían borradas del mapa con ese método.

Su origen tiene lugar cuando el director general de Bellas Artes, Josep Renau encarga a Picasso realizar esta obra. Su intención era exponerla más tarde en el pabellón español durante la Exposición Internacional de 1937 en París, con la finalidad de atraer la atención del público hacia la causa republicana durante la Guerra Civil Española.
En la obra, se pueden ver diferentes personas y animales que sufren por el dolor causado en este bombardeo, gritando y retorciéndose sobre sí mismos. Por ejemplo, contemplando la escena de derecha a izquierda se puede ver una mujer desesperada, gritando de dolor dentro de una casa que se derrumba y arde. En el centro de la composición se encuentra el caballo, retorcido sobre sí mismo por la agonía. Bajo las patas del caballo yace el guerrero muerto, su mano todavía sujeta una espada rota. En el extremo izquierdo, un toro contempla la escena sorprendido y, a su lado una madre abrumada por el dolor llevando en brazos a su hijo. A su izquierda dos mujeres más, la de la parte superior asoma por una ventana y porta en su mano una lámpara, la luz de la verdad, que ilumina los estragos producidos por la barbarie. La mujer de la parte inferior sale de la casa arrastrándose en su agonía.

En cuanto a características estilísticas, El Guernica es un óleo sobre lienzo, con unas dimensiones de 3,50 x 7,80 m Picasso realizó un cuadro cubista expresando su visión del bombardeo. El Cubismo es un arte mental, se desliga completamente de la interpretación o semejanza con la naturaleza, la obra de arte tiene valor en sí misma, como medio de expresión de ideas. La desvinculación con la naturaleza se consigue a través de la descomposición de la figura en sus partes mínimas, en planos, que serán estudiados en sí mismos y no en la visión global de volumen. Así un objeto puede ser visto desde diferentes puntos de vista, rompiendo con la perspectiva convencional y con la línea de contorno. Desaparecerán las gradaciones de luz y sombra y no se utilizarán los colores de la realidad, apareciendo en las representaciones el blanco y negro. Las formas geométricas invaden las composiciones. Las formas que se observan en la naturaleza se traducirán al lienzo de forma simplificada, en cubos, cilindros, esferas. Nunca cruzaron el umbral de lo abstracto, la forma siempre fue respetada.

Cabe destacar que la obra está pintada en tonos blancos y negros. Este hecho acrecenta la visión pesimista de lo que fue aquel bombardeo. Además se considera una obra horizontal ya que no tiene apenas elementos de verticalidad. Este hecho permite tener una lectura horizontal y fluida sobre la obra. Las figuras están organizadas en triángulos, de los cuales el más importante es el central, que tiene como base el cuerpo del guerrero muerto, y como vértice la lámpara.





Exposición:

Cuando finalizó la Guerra Civil Española con la derrota del gobierno republicano, el Guernica viajó a Museo de Arte Moderno de Nueva York, ya que Picasso no lo quería de vuelta en España hasta que el país no fuese una democracia. Con la muerte de Franco en 1975 España se convierte finalmente en una democracia y la obra retorna, siendo expuesto en el Casón del Buen Retiro (Madrid). Actualmente se encuentra en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid.

Vídeos de interés:





Tuesday, May 7, 2013

El Matrimonio Arnolfini (Van Eyck)



Obra: El matrimonio Arnolfini o Giovanni Arnolfini y su esposa
Autor: Jan Van Eyck
Estilo: Gótico Flamenco
Género: Pintura al óleo sobre tabla.
Cronología: 1434 (Flandes, Brujas)
Otras obras: Virgen del Canciller Rollín, Virgen del Canónigo Van der Paele, Retablo del cordero místico de San Bavón de Gante.


Introducción:

El matrimonio Arnolfini es una pintura del año 1434 que se encuentra en la National Gallery de Londres. El cuadro es obra de Jan Van Eyck, uno de los pintores más importantes de la pintura Flamenca, junto a su hermano Roger Van Eyck.

Contexto:

El arte gótico, que es un arte típicamente burgués y ciudadano, supone el final del feudalismo y la renovación del mundo urbano y del mundo del comercio y los talleres artesanales.
En el siglo XV, Flandes se convierte en uno de los principales centros pictóricos europeos, que ejerce una importante influencia en el resto de Europa.

Análisis:

Este cuadro representa el escenario de una cámara nupcial, en la que se retrata a dos esposos: Giovanni Arnolfini, rico comerciante, y Giovanna de Cenanil, su esposa.
No se trata de un retrato cualquiera, se trata de un auténtico testimonio documental del matrimonio entre estos dos novios, como si se tratara de un notario, el mismo pintor, con su cuadro y su firma, estampada sobre el espejo del fondo, en la que dice: “Joanes Eyck ruit hic” (J.Eyck estuvo aquí).

Además, el autor se autorretrata en el espejo, lo cual es una muestra de la mejor valoración del artista y la creciente importancia del arte, un detalle nuevo para la época. La representación de un interior es muy habitual en la pintura flamenca por la afición a la vida casera.

Estéticamente, la pintura destaca por el protagonismo que se otorga a la línea, al uso de la luz y por su naturalismo. La técnica con la que está hecha es el óleo. Gracias a éste, se produce una sensación atmosférica brillante y luminosa.

Las líneas que convergen hacia el fondo configuran un esquema de perspectiva lineal, que se amplía gracias al efecto del espejo y la ventana, que otorgan profundidad a la pintura.

Otro rasgo importante de la pintura flamenca y de esta obra es la luz, una luz brillante provocada por la técnica del óleo y que dota a los objetos del realismo más preciso, lo cual se denominó realismo sensorial.


Pero esta pintura va más allá de la valoración pictórica, ya que configura un gran repertorio simbólico en cada objeto: 



Cada una de las curiosidades y de los detalles de esta obra los podemos encontrar más explicados y detallados en los siguientes vídeos:

EXPLICACIÓN BREVE Y DETALLADA DE LA OBRA 




EXPLICACIÓN MÁS EXTENSA Y DETALLADA DE LA OBRA